Art Projects

The Syltfoundation develops and supports interdisciplinary art projects with artists from all over the world. Many projects are initiated as a collaboration of local artists and those, who are invited to Johannesburg and Sylt as part of the foundation's residency programme.

© Paul Emmanuel

Cartographies of Becoming

Mandy Coppes Martin – Paul Emmanuel – Gideon Mendel – Itumeleng Mokgope – Jaco van Schalkwyk

kunst:raum sylt quelle, Rantum/Sylt, Germany
28.12.21 - 31.05.22

curator: Indra Wussow

Cartographies of Becoming interrogates the ephemeral process of positioning the self, the artist self and the social in response to a world in disintegration. How can we imagine, dream and create new meaning-making through the remembrance, and re-arrangement of perspectives, of memories, of trauma, of experiences?

Five artists and their departure from the certainty of our cultural maps of belonging into the ephemeral space of transition. The transition as a response to the urge of a changing climate, the transition of bringing violent memories into the light, the transition into healing nature and ourselves after having been turned into a capitalist commodity.

Becoming, whose changes happen on the plane of our human bodies and our minds. A becoming that needs a paradigm shift in our interactions with nature and among us humans. Five artistic responses as journeys into the deep layers of transience and an excavation of what baggage we take with us on the inevitable departure that could mean both, a new beginning or the beginning of the end.

Die Ausstellung „Cartographies of Becoming“ untersucht die Dynamik der Selbstpositionierung des künstlerischen Ausdrucks im sich wandelnden gesellschaftlichen Raum einer unsicheren Welt. Wie können wir uns durch Neuordnung von Perspektiven, Erinnerungen, Traumata und Erfahrungen neuen Lebenssinn vorstellen, erträumen und erschaffen?

Fünf KünstlerInnen präsentieren Arbeiten, die sich sowohl thematisch als auch in ihrer Materialität in den temporären Raum des Übergangs begeben. Identitäten werden hybrider, das private und künstlerische Ich finden zusammen, um sich mit den brennenden globalen Themen wie dem Klimawandel, einem aus den Fugen geraten wirtschaftlichen System auseinandersetzen, das Menschen in kapitalistische Ware verwandelt hat.

Welche Narben tragen wir davon und wie können wir diese nutzen, um einen gesellschaftlichen Wandel zu fördern. Ein Werden, dessen Veränderungen sich individuell in unserem Körper und unserem Geist vollziehen; ein Werden, das einen Paradigmenwechsel in unserem Zusammenleben mit der Natur und unter uns Menschen erfordert?

Die fünf künstlerischen Positionen sind Reisen in die Tiefenschichten der Vergänglichkeit. Und sind zugleich eine Ausgrabung des Gepäcks, das wir in den unvermeidlichen Aufbruch, der sowohl Neuanfang als auch den Beginn des Endes bedeuten könnte, mitnehmen.

The Artists

Mandy Coppes Martin (South Africa, b. 1981)
Lament (mixed media objects and installation)

Putrid
© Mandy Coppes Martin

Coppes Martin uses reconstituted family relics, items of female fashion and styles from other eras as an unpacking of the life baggage people seldom talk about or see anymore (because it’s tucked away in old boxes and suitcases) and makes something new out of it.
The act of destroying and then reconstituting these items as a personal journey and a creation process that excavates more than slippery notions of heritage. An emotionally challenging investigations of the inner workings of memory and loss, about the power of small things as objects of grief and remembrance.

Mandy Coppes Martin verwendet Teile aus Familienandenken und Damenmode sowie Stile aus anderen Epochen, um das Gepäck des Lebens, über das man nur noch selten spricht oder das man nicht mehr sieht, auszupacken und etwas Neues daraus zu machen. Dabei ist der Akt des Zerstörens und Wiederherstellens dieser Gegenstände ein persönlicher Schaffensprozess, der mehr als nur eine schlecht greifbare Ahnung von Geschichte zutage fördert: Es ist eine emotional herausfordernde Untersuchung der inneren Abläufe von Erinnerung und Verlust; und über die Macht kleiner Dinge als Objekte der Trauer und des Gedächtnisses.

Paul Emmanuel (South Africa, born 1969)
Rising-Falling (video), Lost Man (mixed media installation)

© Paul Emmanuel

Emmanuel's video Rising-Falling is an anti-monument intervention that challenges how a society remembers its history and how changes in this memory can result in a dismembering of identity.
The Lost Men installation is part of the Sylt Foundation’s art collection and engages with the concept of memorial and public grief. The viewer encounters the installation, engaging with a personal expression in a public arena.

Emmanuels Video „Rising-Falling“ ist eine „Gegen-Denkmal-Intervention“; sie hinterfragt, wie sich eine Gesellschaft an ihre Geschichte erinnert und wie Veränderungen in dieser Erinnerung zu einer Zersplitterung von Identität führen können.
Die Installation „Lost Man“ ist Teil der Kunstsammlung der Sylt Foundation und Auseinandersetzung mit dem Konzept des Gedenkens und der öffentlichen Trauer. Durch die Begegnung mit der Installation setzt sich der Betrachter mit seinem persönlichen Ausdruck im öffentlichen Raum auseinander.

Gideon Mendel (South Africa, born 1959)
Submerged Portraits (photo installation)

Submerged Portraits
© Gideon Mendel

Working with both stills and video, Gideon Mendel`s intimate style of image-making and long-tern commitment to socially engaged projects has earned international recognition.

Since 2007 Mendel has been working on Drowning World, and art and advocacy project about flooding, his personal response to our climate crisis. The project has been noted for its complex narratives and unusual use of portraiture in extreme conditions.

Der Fotograf Gideon Mendel arbeitet sowohl mit Fotografie als auch mit Videos. Sein intimer Stil der Bildgestaltung und sein langjähriges Engagement für soziale Projekte haben ihm internationale Anerkennung eingebracht. Seit 2007 arbeitet Mendel an „Drowning World“, einem Kunstprojekt über Überflutungen und Hochwasser, das seine persönliche Antwort auf die Klimakrise ist. Das Projekt wurde für seine komplexen Erzählungen und die ungewöhnliche Verwendung von Porträts unter extremen Bedingungen bekannt.

Itumeleng Mokgope (South Africa, born 1968)
Tempered Souls (video and mixed media installation)

© Itumeleng Mokgope

Choreographer and dancer Tumi Mokgope interrogates the different meanings generated by the notion of the car tyre. In the industrial urban landscape the tyre has come to represent not only the possibility of metropolitan forms of transportation but arguably symbolizes subjugation and control, ideas central to power. In the Congo, the African subject was coerced into working in the rubber fields. All those who opposed this project had their hands cut and collected into heap. The fear implanted in those who witnessed the cutting and consequently mounted the rubber trees invested the tyre with their souls. The legacy of the tyre, its acquisition and production, is implicated in the development of our capitalist societies, born from slave labour and used in necklacing as the final step into (human) destruction.

Der Choreograf und Tänzer Tumi Mokgope beschäftigt sich mit dem historischen Erbe der Produktion von Autoreifen und hinterfragt die verschiedenen Bedeutungen, die der Begriff des Autoreifens hervorruft. Denn in der urbanen Industrielandschaft steht der Reifen nicht nur für die Möglichkeit großstädtischer Transportformen, sondern symbolisiert auch Unterwerfung und Kontrolle, also zentrale Mittel von Macht. Im Kongo wurden Bürger gezwungen, für die Reifenherstellung auf Kautschukfeldern zu arbeiten – allen, die sich der Zwangsarbeit widersetzten, wurden die Hände abgehackt. Die Entwicklung unserer kapitalistischen Gesellschaften ist demnach geboren aus Sklavenarbeit, verbunden mit der Historie des Autoreifens.

Jaco van Schalkwyk (South Africa, born 1981)
Smoke & Mirrors (oil on Belgian linen)

© Jaco van Schalkwyk

Reminiscent of 19th century Romantic painting in their depiction of sublime landscapes, the meticulously realized paintings of Jaco van Schalkwyk nevertheless retain their own identity and contemporary relevance. The artist considers the troubled relationship between man and the natural world he inhabits, bearing witness to the disastrous effects human activity has had on the natural environment. In his vast, absorbing canvases, van Schalkwyk presents seemingly uninhabited spaces that are yet filled with our imaginations.
Created during the ongoing pandemic these paintings are of their times - metaphors for our sense of psychological distress, our unease and anxiety in a ‘new’ world where we are forced to adapt and rethink our past, place and position within it. In these mirrored images what should be familiar is now otherworldly and, as with a Rorschach inkblot test, each person’s interaction with and interpretation of the image may differ.

Die akribisch ausgeführten Gemälde von Jaco van Schalkwyk erinnern an die romantische Landschaftsmalerei des 19. Jahrhunderts, behalten aber dennoch ihre eigene Identität und zeitgenössische Relevanz. Der Künstler setzt sich mit der gestörten Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt auseinander und legt Zeugnis ab von den katastrophalen Auswirkungen menschlichen Handelns auf die Natur. In seinen riesigen, beeindruckenden Gemälden zeigt van Schalkwyk scheinbar unbewohnte Räume, die jedoch von unserer Vorstellungskraft erfüllt sind.
Die während der aktuellen Pandemie entstandenen Bilder sind Metaphern für unser psychologisches Leid, unser Unbehagen und unsere Angst in einer „neuen“ Welt. Einer Welt, in der wir gezwungen sind, uns anzupassen und unsere Vergangenheit, unseren Platz und unsere Position in ihr zu überdenken. In diesen gespiegelten Bildern ist das, was uns eigentlich vertraut sein sollte, nun entrückt; und wie bei einem Rorschach-Tintenklecks-Test kann jeder Mensch das Bild anders interpretieren und mit ihm umgehen.